Abbey Road, cuarenta años. 1969-2009

“And in the end the love you take is equal to the love you make” (última frase de la canción The End. La última frase de The Beatles)

 

Cuarenta años se han cumplido desde que el 26 de Septiembre de 1969 saliese al mercado el último disco que The Beatles grabaron en el estudio. Let it be saldrá después de este, pero había sido grabado con anterioridad. Poco podemos decir, más cuando el que escribe estas líneas piensa que sin duda este es el mejor disco del cuarteto de Liverpool y que seguramente este entre los mejores álbumes de la historia de la música popular. Por lo tanto hemos preferido preguntar a gente que entiende de música (y que son amigos de El Ocho)y que la crean de diferentes estilos para que hablen del disco. Por lo demás: una portada histórica, el último buen momento personal de Lennon, McCartney, Harrison y Starr juntos, un disco con dos partes diferentes (una primera de canciones sueltas más al estilo clásico y de Lennon y una segunda que tiene canciones unidas entre si al estilo McCartney), los mejores temas de George y en muchos instantes momentos estelares de música.

 

Alejandro Jabardo, Hypnostate: http://www.hypnostate.com/

 

“Parece mentira que hayan pasado 40 años desde que se editara este Abbey Road, disco que la mayoría de la gente recuerda gracias a su portada, imitada hasta la saciedad; pero sin duda debería de ser recordado por su gran arranque, ‘Come together’, escuchando un inicio así está claro que quieres más y más, y sin duda este disco te lo da. Creo que los Beatles quisieron demostrar con este trabajo que eran capaces de todo, de pasar por todos los estilos, baladas como ‘Something’, un progresivo ‘I want you’ con sus guitarreos y corte inesperado para terminar… pero sin duda otra cosa que marcó el disco fue su final, ‘The end’ que lo contiene todo, desde un solo de batería de Ringo, guitarreos contundentes, grandes voces acompañadas de piano y, de repente, ‘Her Majesty’. Vuelvo a repetirme, parece mentira que hayan pasado 40 años…”.

 

Pablo, Los Vengadores: http://los5vengadores.webs.com/

 

“Aparte de ser uno de mis discos de cabecera, probablemente sea la obra cumbre de The Beatles justo en el momento en que las cosas no iban muy bien. Es un disco de esos que da gusto oír, de esos que te dejan un muy buen sabor de boca después de escuchar y que además contiene canciones atemporales. Quedarse con una es complicado, en este disco nos encontramos grandes temas  como ‘Come Together’ del tandem Lennon/Mcartney pero lo que a mi me gusta destacar de este disco, es que deja hueco a las composiciones de Harrison (‘Something’ y ‘Here comes the sun’) y Starr (‘Octopus´s garden’)….¿Mi favorito? sin duda ‘Something’, una canción espectacular que destila sentimiento por cada poro, pero quien no ha puesto ‘Here comes the sun’ y una sensación de buen rollo le ha sobrepasado?”.

 

Jorge Ruiz, Maldita Nerea:  http://www.malditanerea.com/

 “Dicen que es la obra cumbre de Beatles, pero mí no es de los álbumes que más me gusten precisamente. Pero la canción que más me gusta es ‘Come together’”.

 

 

Carlos Ruiz, The Bones: http://www.myspace.com/thebonesindie

 

“Abbey Road, un gran disco de los legendarios The Beatles. Para mi uno de los discos más emblemáticos de la banda, no sólo por su famosísima portada, si no por su gran variedad de composiciones en él como el gran ‘Come together’ de John Lennon, o el ‘Oh! Darling’ de Paul McCartney y una gran canción compuesta por Ringo Starr como es el ‘Octopu’s Garden’. En mi opinión, como los demás discos de The Beatles, Abbey Road está entre los discos de la música con mayor calidad y originalidad, de los que grupos modernos deberían coger como base e inspiración”.

 

 

Jesús Ruiz

Green Day: Un incalificable estilo

 

La banda de Berkeley dejó un poco de todo en Madrid

 

Un concierto sin hora de comienzo confirmada (sólo con la de apertura de puertas), el Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid a rebosar, mucho punk y mucho adolescente ‘fisicaoquimicaonizado’, un disco en formato opera-rock, un muy buen directo y un grupo norteamericano-antiamericano. O lo que es lo mismo Green Day en Madrid.

 

Con la única premisa de las 19:00 horas de la tarde como apertura de puertas (realmente se abrieron antes) y sin conocerse la hora exacta del comienzo del concierto, se pudo contemplar la inverosímil estampa de más de 20 o 30 seguidores del grupo a las afueras del Palacio tomando algo en los bares cercanos o paseando y preguntando cual era su entrada exacta con total tranquilidad y desconociendo de que dentro, los chicos del día verde ya habían comenzado su serenata. Curioso. Pero aún más sorprendente era como dentro del recinto, muchos de los propios seguidores de la banda entraban al baño o compraban bebida o comida mientras comentaban: “Como se parecen estos teloneros a Green Day ¿no?”. Y tanto, ya que Billie Joe Armstrong y los suyos llevaban ya 10 minutos de concierto sin que mucha gente se enterase y produciendo un total caos que dejó una marabunta de personas en pista y en las gradas a cada uno puesto donde más le apetecía sin respetar el número de su entrada.

 

Y de esto se pasaba a lo más inaudito. Chicos y chicas en plena adolescencia o pubertad con camisetas del grupo o al menos con esas pintas que tan de moda pusieron con el anterior disco American Idiot, de pantalones de pitillo ajustados, bajos y negros mezclados con la actual apariencia del líder y cantante que bucea entre lo clásico y vanguardista de los 60 y 70 con corbatas, chalecos, etc. Chavales que gritaban con Boulevard of Broken Dreams (menos emotiva de lo esperado pero magistralmente interpretada) pero que no conocian ni una frase de la que suele ser el cierre del espectáculo, Good Riddance –Time Of Your Life— (y eso que es de 1997), y que sorprendió por ser interpretada de forma acústica e íntima, solamente por Armstrong en un descendiente final.

 

Estos chiquillos que disfrutaron de lo lindo, que seguramente desconozcan mucho de la historia e influencia del grupo californiano, se mezclaban con los treintañeros que siguen esperando al grupo punk que marcó su juventud y que desapareció en un pop-punk primero, rock-punk después y pop-rock actualmente. Aunque realmente su último álbum, 21st Century Breakdow, ha convencido más a los primeros que a los segundos y ha dejado algo fríos a los que llevaban esperando cinco años tras la obra maestra de rock (con muchas influencias) que fue el American Idiot. Eso si, supieron mejorarlas en directo, ya que si en el estudio destacaron 21Guns o Know Your Enemy ante el público sonó el resto de la ópera muy bien.

 

Pero Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool pasaron y siguen pasando de todo esto y simplemente se entregan locamente a su público. Locamente, porque son un trío elegantemente descontrolado y excéntrico. Y a su bola; tanto que se permitieron el lujo de no tocar por ejemplo Wake Me Up When September Ends. Dándose por contra el placer de interpretar de manera prodigiosa Jesús of Suburbia, acompañados a la guitarra por un fan que subió al escenario. Porque ,eso si, Green Day se entrega a su publico sea cual sea. Desde disparar con pistolas de agua, a lanzar con una especie de cañón camisetas al público o cumplir el sueño de muchos al hacerlos cantar y tocar junto a ellos, dice mucho de porqué siguen tras 20 años de carrera, teniendo cada vez más incondicionales.

 

Enumerar todos los temas que tocaron, con versiones de clásicos incluidas, o explicar el montaje y espectáculo tan bueno que tenia cada canción sería aumentar los elogios (merecidos) de una gran banda en directo pero a la vez dejar de lado los puntos negros (o menos brillantes) de un espectáculo que a algunos puede parecer demasiado Yankee, a otros demasiado adolescente, a otros demasiado directo y a otros demasiado cargado de bromas y locuras. Pero lo que está claro es que ese es uno de los éxitos del grupo, la capacidad de gustar y llegar de forma tan diferente, haciendo lo que les da la realísima gana.

 

Jesús Ruiz

‘AVIONES’, NUEVO DISCO DE PEREZA

Quinto disco de estudio del grupo madrileño Pereza. No hay quinto malo, y eso los de Alameda lo saben, así que han decidido arriesgar y hacer, como se dice coloquialmente, lo que les ‘sale del culo’. Así, han usado para este ‘Aviones’ instrumentos como el saxofón, para darle un tono más de blues a sus canciones. Algo diferente pero que pega, que es bueno, muy bueno, y que esperemos que sea así siempre. ¿Por qué? Porque es algo fuera de lo habitual en un grupo cuyo núcleo de fans, desde su disco ‘Animales’, son adolescentes, como las de El Canto del Loco. Pero ahí está la diferencia. Pereza no es El Canto del Loco.

Lo muestra una madurez que han ido adquiriendo desde 2001, cuando se estrenaron en el mundo de la música con su disco homónimo, ‘Pereza’, cuya calidad era algo floja, pero que tenía temas emblemáticos para el grupo, como ‘Música ligera’. Ahí, Rubén y Leiva eran un joven grupo de rock cuya mayor aspiración era llenar Siroco, una sala de conciertos madrileña, cada vez que tocasen allí. Dos años más tarde sacarían ‘Algo para Cantar’, el disco más rockero del grupo y del que saldrían dos temas que a día de hoy siguen tocando en sus conciertos: ‘Mánager’, con la que empiezan cada show, y ‘Pienso en aquella tarde’, con la que acaban. Un disco lleno de buenos temas, que mostraba el camino del rock madrileño, con algunas letras románticas a ritmo de guitarrazos. ‘Pienso en aquella tarde’ es la bandera de Pereza, y más aún porque fue su vía para sonar en las radios españolas, con la colaboración de David Summers y Dani Martín.

Pero no fue hasta 2005 cuando el grupo dio el salto con ‘Animales’. Un disco al que hay cosas que criticar, puesto que perdió un poco de identidad el grupo al hacer un disco de singles pegadizos pero muy habituales en el pop-rock español. Aún así, en ese disco hay uno de los mejores temas: ‘Como lo tienes tú’. En 2007 ya se notó su evolución musical, con ‘Aproximaciones’, donde juntaban canciones muy poperas con temas más cañeros, parecidos a los de ‘Animales’.

Pero ahora llega ‘Aviones’. Distinto a casi todo. Parecido a los temas poperos de ‘Aproximaciones’. ‘Violento Amor’, su primer single, no es la mejor canción del disco. En un formato poco habitual, de 10”, ‘Aviones’ se presenta con 17 canciones y un DVD con siete temas en acústico. Y dedicado a sólo dos personas: el hijo de Rubén y una amiga de Leiva. Tiene toques de pop, alguno más cañero pero sin llegar a ser su rock habitual, toques de country y de música ‘sesentera’. Pero sobre todo tiene calidad. Y también tiene sorpresas: Andrés Calamaro colabora en ‘Amelie’, la mejor canción del disco seguramente, Ariel Rot hace lo mismo en ‘Llévame al baile’ y además, en este disco aparece ‘Señor kioskero’. Una canción que ya aparecía en ‘Baires’, el libro+CD+DVD que el grupo sacó a la venta en junio. Una canción que no es suya, sino de un grupo argentino llamado ‘Intoxicados’. Otros temas a destacar son ‘Leones’, cuyo estribillo emociona por la intensidad que pone Leiva al interpretarlo; ‘Que parezca un accidente’, un tema que por su sonido parece de Coti, amigo de los madrileños; ‘Windsor’ o ‘Lady Madrid’.

‘Aviones’ es un disco para escucharlo tranquilamente, sentado en el salón de tu casa o tomando algo tranquilamente en un bar de copas. Es un disco en el que se desmarcan un poco del movimiento ‘grupi’, al hacer canciones poco radiofónicas, más complejas. Pero no reniegan de ellas (o ellos, que también los hay). Pereza o te gusta o no, pero indiferente no te deja. Y con estos ‘aviones’ lo demuestra una vez más. Pereza vuelve a salirse un poco de lo que es la ‘fórmula 40 Principales’. Veremos a ver si esto le da mejores o peores resultados.

 

Rubén V.

Madonna, la reina del Show

 

Madonna pasó el pasado 23 de Julio por Madrid. 19 años hacia que no pasaba por la capital de España pero eso no pareció invitar a sus seguidores, que no consiguieron llenar el Estadio Vicente Calderón, seguramente no por falta de ganas si no por falta de dinero, ante unas entradas de un precio desmedido.

Los que asistieron se encontraron más que con el concierto de una artista consagradísima a sus 50 años, con el destronamiento de una reina. La reina del pop. Pese a comenzar el concierto (haciéndose los coros a su voz ya grabada en Candy Shop) sentada en un trono, nada se vio de la diva durante el espectáculo. El divismo se quedó en las grandes ‘M’ que había en cada lado del escenario y en el comienzo del recital con la que fuese reina haciendo enorgullecer y alterar a sus súbditos. Después, una Madonna muy humana, lejana de otras épocas en las que su idolatría parecía mantener su carrera, y basándose ahora en su más que excelente forma física y en un gran show. Pero nada más que eso, un show. Nada de música. La música seguramente quedaba en un lejano plano en cuanto a lo que allí sucedía. Voces enlatadas de la propia artista para cuando era incapaz de resistir el saltar a la comba sobre el escenario y cantar a la vez. O supuestos arranques con la guitarra eléctrica que aunque no con exactitud puede asegurarse, parecían sólo pose, ante la imposibilidad de oír las notas que Madonna ‘supuestamente’ estaba tocando. ¿Su voz? Parecía estar decente en los pocos momentos en los que los videoclips o las grabaciones dejaban de sonar (por ejemplo en You Must Love Me). Pero mucho show. Un cadillac en marcha, buenos bailarines, una familia de músicos nómadas-gitanos, denuncia social, Britney Spears, Justin Timberlake y Pharrel Williams en pantalla, homenaje a Michael Jackson y la diva desdivinizandose, riéndose de unos clones que la representaban en diferentes épocas de su carrera. La verdad, muy entretenido y divertido pero sin música. Mucho sonido grabado (samplings), mucho trabajo para el DJ que con sus moderno Apple iba pinchando las canciones, consiguiendo que si realmente cerrases los ojos, te imaginases en una discoteca escuchando al pinchadiscos mezclar con ‘chunda-chunda’ los temas más míticos de Madonna, lo que también se puede calificar como cargárselas. Like a Prayer o la Isla bonita, irreconocibles, pero las mas modernas como Frozen o Music resultaban aburridas. Musicalmente un concierto muy aburrido. Pero para nada una sorpresa. La carrera de la americana viene descendiendo en los últimos diez años. Ray of Light en 1998 era mejor que Music en el 2000, que a su vez era mejor que American Life en 2003 y muchísimo mejor que Confessions on a Dance Floor en 2005 y ni punto de comparación con Hard Candy de hace un año. Madonna viene empeorando la calidad de su música para intentar mantenerse a la moda. Tremendo error pese a seguir más que viva. Le lleva a dejarse caer en ritmos baratos del hip-hop y la música electrónica de discoteca perdiendo el verdadero talento que ella tiene. Talento que pese a todo no dejó de evidenciarse durante su show. Ya no es la diva del pop (trono sin reina actualmente), pero será siempre la reina de la provocación, de la desvergüenza, del artisteo y de la innovación pese a diluirse sin música donde aferrarse, mientras aguanta la corona que con más orgullo puede sostener su rubia melena; la de la reina del show. Eso sí, con mucha dignidad y con cuerda para rato.

 

Jesús Ruiz

U2: la música, la edad y el concierto de la mejor banda del mundo

 

La semana pasada (los días 30 de Junio y 2 de Julio) U2 comenzó su gira mundial, U2 360º, en España. En Barcelona. En el estadio del FC Barcelona, el Camp Nou. Dejando en un estrecho pero destacado margen el hecho tan destacable de que la banda irlandesa iniciase su gira en nuestro país, lo que uno se encontró antes, durante y tras el concierto es extrañamente contrapuesto y de igual forma vanagloriado y despreciado. Exactamente como el título de la gira, un círculo completo alrededor de la actualidad de U2 y de su concierto deja diferente temperaturas entre sus seguidores más fieles, sus detractores más agresivos y entre a los que simplemente les gusta la banda y su música sin exageradas adulaciones.

 

No line on the horizon

 

Antes del concierto, expectación y un disco. No line on the horizon, el duodécimo disco del grupo que fue publicado en Febrero de 2009 y más allá de gustos personales queda claro tras escucharlo que es un trabajo que va más lejos que el anterior How To Dismantle An Atomic Bomb  que parecía revivir las cenizas que dejó el completo comercial y musicalmente All That You Can’t Leave Behind del 2000. Meses antes y tras la publicación de No Line, tanto Bono como el guitarrista The Edge confirmaron que el disco no era sencillo y que habían buscado cosas diferentes. Tras una primera escucha del mismo queda claro que no vas a encontrar un tema como Elevatión o Vértigo ni nada que tenga que ver con One o Sunday Blooddy Sunday, si no algo totalmente nuevo e innovador. Como siempre sucede con los discos de los artistas consagrados en los que cambian de rumbo, la crítica va desde la alabanza hasta el desánimo. Desde compararlo (exageradamente) con el álbum que en 1991 reubico a la banda, Acthung Baby, hasta los que lo unían a los dos discos anteriores asumiéndolos como una trilogía nefasta y resultante de la decadencia de los irlandeses. En resumen, un disco cuidado y arriesgado con canciones que se pierden en la vanidad de la experimentación y en el buscar la composición extracorpórea y otras muy buenas y  diferentes pero con los cromosomas de U2 como fuerte y enlazada base. Por supuesto, éxito de ventas en todo el mundo.

 

Una estación espacial en el Camp Nou

 

Así se llegó al concierto del día 30. Como entremeses, el rumor de un  escenario espectacular y de un sonido envolvente. Todo entorno a los 360 grados del título. Entradas agotadas (con precios nada asequibles para los tiempos que vivimos) y dos días de concierto en la casa de la ‘gent blaugrana’ (dicen que el segundo mejor que el primero). Perfecta organización y nada más entrar al coliseo culé se observaba un colosal escenario en forma de ‘estación espacial’, según diría Bono durante el recital. Sería difícil enumerar lo positivo y negativo del concierto dado la diferencia de criterios que uno mismo podía observar en las gradas del Camp Nou, en las calles de Barcelona a la salida o en periódicos, blogs y foros días después (por cierto, buenos teloneros los Snow Patrol). Por lo tanto, lo diferente del concierto fue un repertorio que comenzó con 4 canciones consecutivas del último álbum, un homenaje a Michael Jackson en Angel of Harlem, una conexión con los astronautas de la estación especial internacional, Bono enfundándose la camiseta del FC Barcelona, guiños constantes a la ciudad condal, un par de versos del You will never walk alone (himno de los equipos de fútbol del Liverpool o del Celtic de Glasgow) al final del tema Walk on y un escenario, situado en el centro del estadio, que aunque se decía que giraría, no fue así y los que se movían durante el mismo eran los integrantes de la banda pues, eso si, lo peculiar del mismo es que estaba abierto por sus cuatro caras pudiéndose observar el concierto tanto a los lados como a la espalda de los músicos de igual forma que en la parte delantera. Esto levantó criticas por la gente a la que tocó detrás del escenario pues está claro que el sentido de los 360º sólo apareció cuando a alguno de los integrantes del grupo le apetecía acercarse a alguno de los fondos. Del repertorio como siempre no llueve a gusto de todos pero U2 no puede dar un concierto a cada uno de los asistentes, lo que no puede decirse es que tocasen como saben, de lujo.

 

Garra e innovación

 

El sonido de calidad, las luces y el espectáculo de imágenes una verdadera ostentación de lo que se entiende por show musical en todo su esplendor. A todo aquel asistente que no le guste el envoltorio del directo está claro que saldría defraudado, aunque, cabe destacar que de las tres últimas giras de U2 es en esta en la que más han renovado con todo lo técnico que rodea al concierto. La voz de Bono ha estado en mejores y en peores condiciones, con lo que se puede calificar de aceptable, arropada de una fuerza que no se sabe si vendría dada por ser el comienzo de la gira, por su amor total a Barna o por el cambio que supuestamente quiere tener la banda. Pero quien pudiese asistir a la gira de Vértigo vería claramente como en  aquellos conciertos los cuatro miembros parecían querer cumplir con el expediente más que entregarse al contrario que esta vez. The Edge estuvo demasiado retraído, Adam Clayton en su línea (muy bien el sonido del bajo) y Larry Mullen Jr fue quizá el que mejor superó la barrera de los 50 que ha caído sobre el grupo. Sus edades son algo que no puede dejarse en el olvido, nadie puede esperar de U2 que saquen discos como en los 80 o los 90, ni que sus giras sean tan agresivas y ardientes como en antaño. Los músicos cambian y es lo que intentan hacer los irlandeses. Cuesta difícil imaginarse a U2 como The Rolling Stones, que hace tiempo que no buscan más que ser simplemente eso, los Rolling. Más acertados o no, U2 busca innovar y ofrecer algo diferente en sus discos, en su espectáculo, y su conexión con sus fans.

 

El futuro necesita un gran beso

 

¿Qué Bono vive extasiado por su lucha por la pobreza y las injustitas en el mundo? Si, y es algo que todo aquel que vaya a un concierto de U2 sabe que va a observarlo. ¿Qué es evidente que hay míticas canciones de las que el grupo parece estar cansado de tocarlas? Totalmente, la interpretación de One (con fallo incluido) o de With or Without you suena saturada y perezosa, y seguramente el grupo preferiría seguir innovando y tocar temas nuevos y diferentes, pero ¿como privar a miles de personas que quizá nunca hayan escuchados esos éxitos en directo de ello? El mismo Paul McCartney asegura que en ocasiones en sus conciertos le apetecería tocar menos canciones de The Beatles pero que se muestra incapaz de realizarlo pues hay personas que acudirán al concierto solo para eso. U2 choca con ello, con el pasado glorioso, con el presente dudoso e innovador, con el espectáculo musicomercial con fans que sienten que el grupo no les llena y otros que si y sobre todo con algo que aun tiene la banda: ganas de hacer cosas diferentes. Y eso es lo que más se debe de valorar ahora de la que es seguramente la banda de rock más grande y mejor del mundo. Es destacable la idea de su último disco y que resume la primera frase de la canción Get on your Boots, que además es nombrada en varias ocasiones en el concierto: El futuro necesita un gran beso. Y ellos buscan ese gran beso con su música, otra cosa es que convenzan a todo el mundo o que logren la perfección que se les pide (esa delgada línea de amor-odio ha llevado a muchos a confirmar tras este disco y esta gira que el grupo esta en decadencia). Pero U2 sigue vivo y sigue besando. La prueba es que no dejan indiferente a nadie, cuando eso suceda es que entonces si se habrá acabado su largo beso con la música. De momento no.

 

Jesús Ruiz

Black or White, que más da

 

Michael Jackson, uno de los artistas más grande la historia, fallece a los 50 años

 

Si hubiese que hacer un olímpico de la historia de la música popular seguramente tendríamos entre los dioses a Elvis Presley, The Beatles, The Rolling Stones, Bob Dylan, Frank Sinatra, Queen (The Who y Led Zeppelín más abajo junto a otros más actuales que también entraran como Police Springsteen o U2) y…Michael Jackson. Además la muerte de estos mitos siempre ayuda a puarlos a leyenda.  Y la de Michael el pasado 25 de Junio ayudará a ello aunque él ya había cimentado mucha carretera para ello. Nacido en Indiana consiguió el éxito con sus hermanos en los Jackson Five. Luego en solitario tocó la gloria. Una mente privilegiada para crear shows. Unos pies prodigiosos para el baile. Gran compositor. Y una voz única para cantar desde pop a soul, pasando por funky, dance, rock y lo que se le pusiese por delante. Con la ayuda del productor Quince Jones creo las obras maestras de Off the Wall, Thriller y Bad con una innumerable cantidad de grandes canciones. Como todos los genios estaba hecho de una pasta especial. Inventó, innovó y aprendió de los mejores (trabajó con Mercury, Jagger o McCartney entre otros muchos). En su vida personal, que ha salpicado y le salpicará a su carrera artista desgraciadamente, todo estaba lleno de traumas y problemas. Desde pequeño sufrió la dureza del trabajo y la perdida de la infancia lo que le hizo añorarla siempre y tener un trauma paternal. Enfermedades físicas verdaderas y otras inventadas le hicieron cambiar de imagen absolutamente, pasar de negro a blanco y convertirse estéticamente en algo cercano a la monstruosidad. Sus problemas con la pederastia, eso sí, declarado inocente, le perseguirán el resto de su leyenda junto con un gran número de extravagancias algunas más ciertas que otras y seguramente muchas desconocidas. Pero, y dentro de la libertad de cada uno, hay que quedarse con su carrera artística y aprender que lo malo que tuvo en su vida privada es todo lo que un artista de repercusión mundial no debe tener para poder ser a la vez estrella y espejo. Su carrera artística se vino abajo con todos estos problemas y nunca fue el mismo. Dejó de ser normal, los problemas mentales le superaron. Luces artísticas y sombras personales. Como le pasa a estos dioses musicales, todo lo que hizo ha sido lo que ha permitido conocer y disfrutar la música como ahora mismo es. Quedan tantos momentos y canciones históricas (además de sus hijos, deudas y ganancias con los derechos de las canciones de The Beatles algunas hipotecadas y otras en coposesión con la Sony) que decir más palabras seria una ofensa para sus fans y algo se escaparía a las letras, por lo tanto lo mejor es verle y escucharle. El Rey del Pop.

 

Ramon